Доклад по МХК.
Выполнил ученик 10”В” класса Дмитриев Андрей
Развитие театра произошло позже расцвета других искусств. Драматургия поэтому могла использовать многое из того, что было создано литературой Ренессанса, а театр — достижения живописи. Развитие нового театра, как и других видов искусств, началось в Италии. Именно там возникли новые формы театра и драматургии. Однако высшего расцвета театральное искусство достигло в других странах — в Испании и Англии. Главные достижения театра приходятся на заключительный этап эпохи Возрождения — конец XVI и первую половину XVII веков. Это уже не Ренессанс, а послеренессансный период, в котором получили развитие новые художественные направления. Итальянский театр в эпоху Возрождения существовал в двух разных обличиях: шли спектакли при дворах итальянских князей для избранной аудитории и представления на городских площадях. В придворных спектаклях участвовали любители, представления не имели регулярного характера, их приурочивали к карнавальным празднествам. Сначала читали в лицах комедии римских авторов. Потом, так как латынь была непонятна, их стали переводить на итальянский язык, появились подражания. При дворах стали ставить пьесы итальянских гуманистов — комедии, трагедии, пасторали. (Пастораль, как и жанры комедии и трагедии, была связана с античной поэзией; в ней давалось идиллическое изображение мирной пастушеской жизни и идеальной любви.) Наибольший успех имел жанр комедии, может быть, потому что он больше других соприкасался с реальной действительностью. Этот род драматургии получил название «ученая комедия», потому что ее создателями были ученые-гуманисты и рассчитана она была на ученую публику. Первая знаменитая «ученая комедия» принадлежала Лудовико Ариосто (1474-1533) — придворному комедиографу феррарского герцога, автору всемирно известной поэмы «Неистовый Роланд». Его «Комедия о сундуке», поставленная в 1508 г., была написана еще по римскому образцу, но имела самостоятельный сюжет и явное отношение к со временному итальянскому быту. У Ариосто было много последователей, при дворах итальянских князей ставилось множество пьес, в основном комедийного жанра, в великолепных декорациях и с роскошными костюмами. На фоне этих развлекательных пьес выделяется комедия Никколо Макиавелли (1469-1527) «Мандрагора». Под пером этого серьезного писателя сама комедия становится серьезней, окрашивается сарказмом. Жанр сатирической комедии стал разрабатываться и другими писателями Возрождения. «Ученая комедия» послужила раз витию комедийного жанра в Европе Даже Шекспира и Мольера можно считать ее учениками. В придворном театре Позднего Возрождения широко распространяется жанр пасторали, удаленный от злобы дня и политических интриг. Пастораль с ее радостным приветствием жизни и человеческого чувства, культом утонченной идеальной любви, благородства избранных натур, отчуждением от всего грубого и реального в стилизованной форме изображала идеализированные аристократические нравы. Большой славой пользовалась пьеса «Аминта» Торквато Тассо (1544-1595), названная по имени главного героя пастуха Аминты, влюбленного в нимфу. Итальянская пастораль была воспринята многими европейскими драматургами XVI - XVII веков. Высшим достижением итальянского театра эпохи Возрождения была народная комедия дель арте — комедия масок. Именно она способствовала превращению любительских спектаклей в профессиональное сценическое искусство. Новый народный театр рождался самостоятельно, в отрыве от литературной драматургии писателей-гуманистов. Спектакли ставились во время праздников на площадях и улицах города. У них были разные названия: мистерии, священные представления, празднества. В их основе лежали религиозно-нравоучительные инсценировки эпизодов Священного Писания. Средневековый театр в своем развитии шел тем же путем, что и живопись. Все участники события одновременно появлялись перед зрителем (так же, как на одной иконе изображались разновременные события), каждый занимал свое постоянное, ему отведенное место. Сцена состояла из отдельных условных сооружений, которые означали различные места, где происходило действие: Иерусалим, Голгофу, Рай или Ад. Эти представления не знали развития действия, происходящего перед глазами зрителя. Персонажи не обладали самостоятельными характерами, каждый выполнял предназначенную ему роль: Иуда — предатель, Мария Магдалина — раскаявшаяся грешница. Между актерами не было настоящего диалога, своими репликами, часто обращенными к зрителю, они сообщали то, что собирались совершить. Перелом в развитии средневекового театра наметился на рубеже XIII - XIV веков. Актеры стали пытаться наглядно представить все то, о чем повествуется в Писании. Между актерами завязался живой диалог. Действие разворачивалось перед глазами зрителя в живой и наглядной форме. Для подъема и спуска актеров, например, стали устраивать специальные механизмы. В XV-XVI вв. занавес отделил пространство зрительного зала от действия на сцене. В спектакли проникало все больше бытовых, мирских, комических эпизодов. Из них развились комические пьесы — фарсы, как их называли в Италии. Это небольшие сценки бытового характера, где действующими лицами были крестьяне, горожане, священники и рыцари. Игра была шумной, крикливой, площадной. Исполнители — любители из горожан — постепенно превращались в профессиональных актеров. Профессиональные актеры были хорошими импровизаторами. Они представляли традиционные маски-типы, пришедшие из городских карнавальных зрелищ: Арлекино, Коломбину, Панталоне. Артисты заменяли автора и представляли спектакли без написанного сценического текста. Эти представления были полны веселья, острословия, буффонады; актеры использовали народную лексику, давали меткие характеристики реальным персонажам. В спектаклях было много песен, танцев, комических трюков, ни на минуту не затихал озорной дух творческой инициативы. Краткая сюжетная схема разворачивалась в импровизированный спектакль. Актеры часто подвергали фарсовой карнавальной обработке заимствованные сюжеты новелл, «ученой комедии», современной поэзии. С начала XVII века стали издавать сборники сценариев, так как число трупп увеличилось и не всякий коллектив был способен на самостоятельное сочинение. Бродячие труппы актеров подвергались гонениям со стороны властей, некоторые сценарии были занесены в Индекс запрещенных книг. Но итальянские труппы стали выступать во Франции, Испании, Англии. Их творчество оказало влияние на национальный театр этих стран. Особенно заметно это влияние сказалось на драматургии Мольера. Реалистические традиции комедии дель арте сохранились и в творчестве итальянских драматургов и актеров Нового времени. На сцене комедии дель арте были, выработаны и закреплены главные законы театра — непрерывность развивающегося действия, коллективность творчества, связанность сценической игры партнеров. Само сценическое искусство в эпоху Возрождения стало новым типом художественного творчества. Судьбы музыки тоже резко отличаются от путей развития изобразительных искусств в эпоху Возрождения. Черты Ренессанса проявляются больше в самой музыкальной культуре, чем в творчестве и стиле. Они хоть и заметны в XV-XVI вв., но не определяют мощного подъема, как это было в других областях искусства. Расцвет музыки выходит за пределы Высокого Ренессанса, он приходится на вторую половину XVI века. Ренессансное направление в музыкальной культуре получило название «ars nova», т.е. «новое искусство» по-латыни. Термин появился случайно. Так называлось теоретическое сочинение (1325) епископа Филиппа де Витри, который заметил новые выразительные приемы современной ему музыки. Самым важным Ренессансным признаком ars nova считают появление первых светских произведений профессионального характера. Ведь раньше почти 1000 лет музыка развивалась исключительно при церкви, как элемент богослужения. До появления искусства трубадуров единственными нотными записями были церковные мессы. В XIV веке существуют уже сотни французских и итальянских рукописей светского характера. Импульс к возникновению новой музыки дают образы и настроения светской поэзии. Музыка ars nova использует поэтические тексты Данте, Петрарки, Боккаччо. Примечательно, что композиторы, работающие для церкви, заимствуют из светской музыки ее новый выразительный стиль. Музыкальное искусство развивалось в благоприятной атмосфере гуманистических идей. Интеллектуальные запросы человека Возрождения включали в себя и музыкальные интересы. Занятия поэзией, литературой, живописью, музыкой связывали людей разного общественного положения, выражали идеалы «светского человека». Ни испанское придворное общество, ни английский двор, ни окружение римского папы немыслимы без музыки. Появились новые формы музицирования — небольшие вокально-инструментальные концерты при дворах, в домах горожан, на городских и семейных празднествах. Не только во дворцах патрициев, но и на водах венецианских лагун зазвучали флейта и лютня. Игра на лютне, пение под лютню было широко распространенным музыкальным искусством в Европе. О небольших концертах в дружеском кружке рассказывают новеллы Боккаччо, музыкальные ансамбли воспроизводят художники на живописных полотнах. Возникновение широких кругов любителей музыки способствовало росту музыкального профессионализма. После распространения нотопечатания, изобретенного в последней трети XV века, творчество музыкантов- профессионалов становится широко известным по всей Европе. Это сборники мадригалов, песен, танцев. Мадригал стал излюбленным музыкальным жанром. Он представляет собой небольшое двух - трехголосое вокальное произведение (иногда с добавлением инструментов), расширенную, развитую песню на любую тему. Это были любовно-лирические, шуточно-бытовые, мифологические и даже политические произведения. Инструментальная музыка в то время почти не имела самостоятельного значения, до наших дней сохранились лишь единичные нотные записи. Новым в музыкальной культуре Возрождения, как и в других сферах культуры, было само отношение к процессу творчества. Для людей Средневековья музыка была схоластической наукой, (она входила в квадривиум). Творческая индивидуальность не поощрялась. Сочинение не должно было выходить за рамки канона. Музыкальное творчество, как и творчество художников, скульпторов, зодчих, было анонимным. В XIV веке появляются композиторские индивидуальности. Музыканты сочиняют музыку по вдохновению, которое теперь признается как божественная таинственная сила, рождающая художественные идеи. Именно в эпоху Ренессанса впервые появляется музыкант-профессионал, который был выразителем личного мироощущения. Это новое отношение к творчеству проявлялось и в церковной, и в светской музыке. В эпоху Возрождения появились новые принципы музыкального языка, которые были развиты в последующие столетия. Между мелодиями ars nova и первыми оперными дуэтами XVII века есть много общего. Опера стала итогом музыки Ренессанса, обобщив все светские тенденции в музыкальной культуре. Важнейший вклад ars nova в музыкальную культуру заключается в том, что три важнейших музыкальных элемента — мелодия, гармония и ритм — впервые были объединены в единой системе, которая и сейчас служит основой европейской музыки.